¿La contradicción de un nombre?: Ciudad de Dios

Cuando alguien escucha el título de esta cinta, seguramente no se le atraviesa por la mente que sea una película con clasificación R en Estados Unidos (restringida para menores de 17 años). Irónicamente, en Ciudad de Dios el único momento en que un personaje memora a Dios es en una escena en que unos malandros rezan un Padrenuestro. Ya en el resto de la película, el crimen es el pan de cada día. Tanto que, desde el inicio-en los orígenes de la favela-, las precarias necesidades de unas señoras las llevan a robar tanques de gas de un camión repartidor recién atracado.

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Pero, ¿de quién es la culpa de esta situación? 

Fernando Meirelles, su director, no pone de manifiesto a un solo culpable, sino que se encarga de salpicar de responsabilidad a la toda la sociedad, en mayor o menor medida: tanto a policías eternamente corruptos, como a residentes que no buscan otra calidad de vida para sus hijos.

Así que se puede creer que salir siendo bueno de una favela de estas es cosa de suerte. Porque sino, Galinha tuviera otro final. Sin embargo, el espectador más detallista se da cuenta que Buscapé demuestra que el nombre de la favela justifica la conclusión de la historia de la que es protagonista: su benevolencia desde niño lo llevó a rechazar el ensuciar sus manos en cada momento que se le presentó.

¿Obra maestra?

Se puede entender con lo dicho, que la película retrata a un joven que creció en una favela y que salió adelante. Aunque no deja de ser una dura crítica a esa terrible realidad, esta historia es más que juzgar al bueno y al malo. A través de una estructura bien hecha de la narración, Buscapé, con voz en off y haciendo uso de flashbacks, va describiéndose a él y a otros personajes determinantes que van entrando y saliendo de la historia -unos incluso en escena durante pocos minutos-, algunos que son demonios en carne viva, como el antagónico, y otros que aunque también un tanto malos, llegan a encariñar al espectador (¿a quién no le gusta el personaje de Bené?).

ciudad-de-diosEs pues, el crisol de personajes que maneja el realizador y que matiza a través del drama y un poco de comicidad,  lo que hacen de esta producción algo magnífico, y gracias también a que se supo contar por medio de una fotografía candente y espectacular, y una música estupenda, con ritmos brasileños y de música propia de los setentas.

Hechos reales y no tan reales

Este metraje es una adaptación de una novela homónima en la que su autor, Paulo Lins, mezcla hechos reales con ficción novelística. En su obra deja claro que parte del material se extrajo de entrevistas de una investigación periodística.

Meirelles, impactado por la novela, quiso hacerla tan real que arriesgó su vida y la de su equipo de producción usando como locación una verdadera favela (pero no Ciudad de Dios) y recurriendo a contratar a jóvenes sin experiencia actoral, y de la favela. El intérprete protagonista Alexandre Rodrigues es uno de ellos.

Película redonda.

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Una escena: la despedida de Bené. Sin entrar en detalles para no dar spoilers.

Para quiénes: este es y será un clásico del siglo. Es imperdible. Criterio formado, eso sí.

Dato a destacar: inmediatamente estrenó, se hizo famosa. Tanto, que Brasil la mandó a varias categorías oscarinas y quedó nominada a 4: dirección, fotografía, montaje y guión adaptado. Lo irónico es que no lo quedó en la de mejor película extranjera…otra contradicción.

5/5

 

 

 

 

 

 

Para la colección: Casino (1995)

Cinco años después de Goodfellas, una de sus obras maestras, Martin Scorsese retoma el tema de gánsters. En esta ocasión, su predilecto Robert De Niro (al menos antes de Leo DiCaprio)  interpreta a un apostador con muy buen olfato que le ayuda a ganar dinero a mafiosos. Éstos lo persuaden para encargarse del Tangiers, un casino en Las Vegas. Con su meticulosidad, llega a elevar al centro de juegos a lo mejor de la ciudad de las luces.

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Pero la luz del dinero en negocios de mafiosos también se apaga. Las voces en off de Andy (De Niro) y Nicky (Joe Pesci, el coprotagonista) nos introducen al poner al tanto de cómo la brillante ciudad se halla rodeada por el desierto que en su soledad se convierte en un camposanto, y de cómo la apuesta por el amor puede resultar siendo una pésima jugada.

Esas voces en off siguen relatándonos la historia ambientada en los 70s. Empieza con los antecedentes de los dos personajes ya mencionados y el de la preciosa Ginger (Sharon Stone) describiéndonos las aspiraciones de cada uno, sus temores y aspiraciones; y termina con la muerte y caída del poder.

A Scorsese no se le escapa nada. Sus cuidadosos detalles durante las tres horas que dura el metraje exhiben la codicia que brilla en los ojos de prácticamente todos: desde los del encargado del valet parking, hasta los del más viejo de los gánsters. Una codicia capaz de derrumbar al casino que había impuesto clase entre sus semejantes. Por ello Andy lamenta al final de la película el estilo ”Disneylandia” de los modernos casinos, mientras aparecen escenas de ancianos entrando a perder dinero. Sí, perder dinero, porque otra cosa que la cinta nos deja claro es que los luminosos centros de juegos no creen sino en el ganar-ganar.casino2

Una banda sonora tan brillante como las joyas de Ginger acompaña cada escena, haciendo inolvidable esa donde Love is Strange suena cuando Andy y Ginger cruzan las primeras miradas. Y si de escenas inolvidables hablamos, varias son las que involucran a Nicky, como la más graciosa: cuando el avión del FBI se queda sin gasolina.

Sin lugar a dudas, Casino es una fabulosa película de gánsters, donde la excelente puesta en escena -como bien sabe hacerlo Scorsese- , el enérgico trabajo de todo el reparto y los detalles técnicos (incluso utilería y vestuario), garantizan entretenimiento del bueno.

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Una escena: el final de Nicky.

Para quiénes: hay mafia involucrada, por lo tanto, sangre y violencia. Además, el lenguaje es fuerte. Sólo la palabra ”fuck” se menciona más de 400 veces. Por lo tanto, criterios formados.

Dato a conocer: luego de siete películas previas trabajando juntos, ésta película (basada en la vida real) se convirtió en la octava y última producción en donde Martin Scorsese utilizó a Robert De Niro.

4.5/5

Para la colección: El Planeta de los Simios (1968)

He tenido la oportunidad de ver El Origen del Planeta de los Simios (2011), en las manos de Rupert Wyatt, y la más reciente secuela de la saga: El Amanecer del Planeta de los Simios (2014), bajo la dirección de Matt Reeves. Ambas forman parte de un reboot de la serie original que comenzó en 1968.

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Es obvio que los modernos motion captures pueden resultar más atractivos que el maquillaje aplicado en la serie original. Sin embargo, aun teniendo a su favor ello, además de contar con un buen argumento, le echo las flores a la original, protagonizada por Charlton Heston.

¡Qué espectáculo! Una vibrante banda sonora, y lo mejor: una estupenda historia.

Hay que tomar en cuenta que durante esa década de los sesenta estaba latente el tema de la guerra de Vietnam, y de la oposición del pueblo estadounidense a ella, además de otros aspectos sociales que bordearon la época, como la lucha por los derechos civiles.

Y es que esta exitosa producción le da una justa bofetada al hombre, desde que comienza: con una grabación que deja el Coronel George Taylor, donde lamenta la soberbia y avaricia del hombre (sin saber si la llegarán a oír) hasta que termina: uno de los finales más impactantes de la historia del cine, donde el protagonista descubre que la raza humana está condenada por su voracidad.

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”Decidme, sin embargo, el hombre, esa maravilla del universo, esa gloriosa paradoja que me ha enviado a las estrellas, ¿hace todavía la guerra a su hermano, sigue dejando morir de hambre a los hijos de sus vecinos?”

Para los que están desubicados con el tiempo, la trama presenta a una tripulación de astronautas viajando a través del universo a una velocidad cercana a la de la luz, por lo que el espacio-tiempo es diferente al que conocemos, haciendo que seis meses para la tripulación, para los terrestres equivalgan a casi 700 años. Transcurridos 18 meses (más de 2000 años, tiempo terrestre) desde que partieron, despiertan de hibernación, al accidentarse en un planeta desconocido.

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Las preguntas de qué planeta es ese en que cayeron, por qué allí los humanos son mudos, por qué los simios dominan y maltratan a los humanos, y por qué los primates se sorprenden de la ‘inteligencia avanzada’ del coronel al hablar, son algunas de las que busca responder Taylor, ayudado por una noble pareja de científicos chimpancés que no están muy convencidos de que el mono descienda del hombre.

El seguir describiendo la historia es spoilear, y aunque suene patético para una película de más de 40 años, prefiero callar mis dedos, pues vale la pena sentarse a ver y a reflexionar con esta joya de la ciencia ficción.

He quedado con la incertidumbre de saber si el reboot que han venido desarrollando llegará a enlazarse con esta versión, ya que según ésta el ascenso del simio no está ligado a un virus, como lo plantea la del 2014. Pero no por ello se puede dejar de construir una historia que las relacione. Si llegan a hacer una versión más futurista parecida a ésta, ojalá y sea digna de comparación.

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Una escena: el beso. Me imagino que los espectadores en el 68′ estaban más aterrados que yo con esta escena y ¿a quién no le causa gracia el comentario de Zira?

Para quiénes: para todo aquél que se llame amante del cine, pues aunque muchos les parezca ridículo ver una película tan vieja, es verdaderamente una estupenda producción. Imperdible sobretodo para aquellos amantes de la ciencia ficción y el cine de reflexión…el pensamiento del hombre con hambre de poder no ha cambiado mucho hasta este siglo.

Dato a destacar: fue tan bien recibido este metraje, que se le hicieron cuatro secuelas más (e incluso se crearon dos series de televisión), pero que desafortunadamente, no tuvieron el mismo encanto que la primera.

5/5

Para la colección: 21 gramos

No, es que no hay duda de que México nos ha dado a grandes directores. Hace poco La Academia se rindió ante Alfonso Cuarón, primer latinoamericano galardonado como mejor realizador. Pero aparte de él y de Guillermo del Toro, alguien que con sus producciones da de qué hablar, es Alejandro González Iñárritu, conocido por Amores Perros, 21 gramos y Babel.

images (1)Esta vez me dediqué a deleitarme con 21 gramos. Y qué digo deleitarme, más bien me ha dejado con el sabor de la crudeza. Un sabor amargo, pero no porque sea mala, ni mucho menos, sino por las impactantes dos horas con que se entretiene al espectador. Las tres películas arriba mencionadas tienen algo en común: no se basan en una sola historia, sino en varias. Historias cruzadas es el nombre con que llaman a este género, como dato.

Iñárritu, con un perfecto juego de escenas que van de atrás para adelante, narra tres historias, un ex-criminal converso al cristianismo, una desconsolada mujer que pierde a su familia, y un hombre que había perdido las esperanzas de vivir hasta que un accidente lo salvó (sí, lo salvó). Y es ahí donde las tres vidas se cruzan.

21-grams-movie-thumbLo emocionante de este tipo de géneros es que hacen más real el metraje, pues a partir de una situación se exploran varias perspectivas. Y aquí la situaciones giran en torno a la muerte de un padre y sus dos hijas. Culpabilidad, dolor y agradecimiento son los tres sentires de los protagonistas, que al entrelazarse expresan también amor, venganza y perdón.

Indudablemente, un final realista con que el mejicano nos hace meditar, así sea por un rato, acerca de la vida y la muerte… y el efecto que éstas pueden generar sobre otros, los 21 gramos que algunos dicen que pesa el alma.

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Una escena: cuando Paul se confiesa ante Cristina en medio de un pasional beso.

Para quiénes: es un drama fuerte, criterio formado.

Dato a destacar: sí es cierto que cuando una persona muere, pierde 21 gramos de su peso. Existen diversas teorías religiosas y científicas, pero nada comprobado. Se dice que es el peso del alma, o el de un proceso cerebral.

4/5