¿La contradicción de un nombre?: Ciudad de Dios

Cuando alguien escucha el título de esta cinta, seguramente no se le atraviesa por la mente que sea una película con clasificación R en Estados Unidos (restringida para menores de 17 años). Irónicamente, en Ciudad de Dios el único momento en que un personaje memora a Dios es en una escena en que unos malandros rezan un Padrenuestro. Ya en el resto de la película, el crimen es el pan de cada día. Tanto que, desde el inicio-en los orígenes de la favela-, las precarias necesidades de unas señoras las llevan a robar tanques de gas de un camión repartidor recién atracado.

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Pero, ¿de quién es la culpa de esta situación? 

Fernando Meirelles, su director, no pone de manifiesto a un solo culpable, sino que se encarga de salpicar de responsabilidad a la toda la sociedad, en mayor o menor medida: tanto a policías eternamente corruptos, como a residentes que no buscan otra calidad de vida para sus hijos.

Así que se puede creer que salir siendo bueno de una favela de estas es cosa de suerte. Porque sino, Galinha tuviera otro final. Sin embargo, el espectador más detallista se da cuenta que Buscapé demuestra que el nombre de la favela justifica la conclusión de la historia de la que es protagonista: su benevolencia desde niño lo llevó a rechazar el ensuciar sus manos en cada momento que se le presentó.

¿Obra maestra?

Se puede entender con lo dicho, que la película retrata a un joven que creció en una favela y que salió adelante. Aunque no deja de ser una dura crítica a esa terrible realidad, esta historia es más que juzgar al bueno y al malo. A través de una estructura bien hecha de la narración, Buscapé, con voz en off y haciendo uso de flashbacks, va describiéndose a él y a otros personajes determinantes que van entrando y saliendo de la historia -unos incluso en escena durante pocos minutos-, algunos que son demonios en carne viva, como el antagónico, y otros que aunque también un tanto malos, llegan a encariñar al espectador (¿a quién no le gusta el personaje de Bené?).

ciudad-de-diosEs pues, el crisol de personajes que maneja el realizador y que matiza a través del drama y un poco de comicidad,  lo que hacen de esta producción algo magnífico, y gracias también a que se supo contar por medio de una fotografía candente y espectacular, y una música estupenda, con ritmos brasileños y de música propia de los setentas.

Hechos reales y no tan reales

Este metraje es una adaptación de una novela homónima en la que su autor, Paulo Lins, mezcla hechos reales con ficción novelística. En su obra deja claro que parte del material se extrajo de entrevistas de una investigación periodística.

Meirelles, impactado por la novela, quiso hacerla tan real que arriesgó su vida y la de su equipo de producción usando como locación una verdadera favela (pero no Ciudad de Dios) y recurriendo a contratar a jóvenes sin experiencia actoral, y de la favela. El intérprete protagonista Alexandre Rodrigues es uno de ellos.

Película redonda.

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Una escena: la despedida de Bené. Sin entrar en detalles para no dar spoilers.

Para quiénes: este es y será un clásico del siglo. Es imperdible. Criterio formado, eso sí.

Dato a destacar: inmediatamente estrenó, se hizo famosa. Tanto, que Brasil la mandó a varias categorías oscarinas y quedó nominada a 4: dirección, fotografía, montaje y guión adaptado. Lo irónico es que no lo quedó en la de mejor película extranjera…otra contradicción.

5/5

 

 

 

 

 

 

Hacia la búsqueda de la verdad, HACIA RUTAS SALVAJES

A esta película le han objetado por mucho, le han buscado peros a una historia que habla de libertad. Sí, el protagonista es un loco que deja todo por ir a Alaska, siendo capaz de deshacerse de 24 mil dólares, de preferir dormir en el vagón de un tren antes que en una cama, de alejarse de la sociedad, entre otras condiciones a las que se somete. Pero el concepto de libertad que tenía Alex no es la misma que otros tenemos.
inspiring-movies-03Son muchas las interrogantes que el hombre se ha hecho a lo largo de su historia, y aunque hoy creamos tener las respuestas a todas, muy en nuestro interior se mueve la duda respecto a algunas cosas. Lastimosamente muy pocos son capaces de descubrir esas inquietudes. Christopher McCandeless (o como él se autonombró: Alexander Supertramp), fue uno de ellos: un muchacho inteligente, de familia con buena situación económica, y con futuro prometedor, que decidió impartir un viaje desde el sur hasta el norte, hacia rutas salvajes, cansado de una sociedad hipócrita. Pero ¿cómo que hipócrita? ¿acaso ha vivido en condiciones precarias para resentirse con el mundo? ¿acaso ha vivido tanto para llegar a las conclusiones de que el hombre ha fracasado en su intento de ser feliz en plenitud? Pues Sean Penn intenta responder eso a través de escenas antecesoras a sus seis semanas en Alaska. Habrá quienes comprendan a un chico que tiene mayores razones que el lavado de cabeza la simple inspiración de sus libros de Jack London y Thoureau. Sin embargo, en la objetividad de la película, habrá también otros que al final de la cinta sigan creyendo que Alex es un loco, y hasta lo tilden de egoísta. Yo me quedo con el muchacho con coraje, con el que encontró su verdad. Pues al final, de eso se debe tratar nuestra libertad, no? De encontrar nuestra verdad.
bookLa cinta goza de muchas escenas memorables, acompañadas de una fotografía espectacular (a cargo estuvo Eric Gautier), no sería de menos siendo la naturaleza la co-protagonista de la historia, y una música a cargo de Eddie Vedder que nos hace compartir las decepciones, alegrías y tristezas del muchacho.

El actor intérprete, Emile Hirsch, no lo pudo haber hecho mejor, y cada uno de los que le acompañan le sacan provecho, aún con menos duración en pantalla. Incluso Kristen Stewart! De esa gama de personajes, me quedo con Mr. Franz.

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Una escena: Alex junto a Mr. Franz cuando éste sube a lo alto del monte. Sin ese personaje, la historia final probablemente hubiera sido otra.

Para quiénes: del género aventuras, y a su vez algo filosófica. Para quien le guste meditar y sea abierto a opiniones diferentes y aguante películas con ritmos normales durante más de dos horas.

Dato a destacar: película basada en un libro homónimo bajo la autoría de Yon Krakauer, alpinista que se enteró de la historia de Chris/Alex y decidió investigar a través de su familia, sus escritos y los amigos que conoció durante esos dos años camino a Alaska. Sean Penn inmediatamente después de leerla en el 96, pidió el permiso a los McCandless, quienes se lo negaron inicialmente y diez años después le dieron el sí.

5/5

Los aires actuales del 2027: Children of men

Qchildren-of-men-arizonaué momentos más adecuados son estos días para ver Niños del hombre, película del 2006 con argumento en un ficticio 2027. Hoy es noticia la crisis migratoria en Europa, donde se debate qué hacer con los cientos de inmigrantes que buscan refugio en el viejo continente. Y hace nueve años, pareciera que el mexicano Alfonso Cuarón se hubiera querido anticipar al tema, sacándolo a relucir al llevar a la pantalla grande la novela homónima de la británica P.D. James.

Y bueno, no es que el tema migratorio sea el eje central,  mas sí forma parte del fondo de una historia en que el hombre, o más bien la mujer, perdió el don de la fertilidad. La cinta te lo va explicando desde un inicio con la trágica noticia de que el joven más joven del planeta, valga la redundancia, ha muerto. El argentino Diego, quien tenía 18 años, 4 meses y 20 días, fue agredido por un fanático. La noticia llega hasta Gran Bretaña, donde transcurre la historia y en donde Theo Faron (Clive Owen), en la cotidianidad de la violencia de un régimen autoritario que no acepta inmigrantes, se ha vuelto un hombre sin esperanza, incapaz de condolerse por alguien: todo un infeliz. Luego te vas enterando de sus razones. Sean justificables o no, Theo representa la posición de muchos de los seres humanos en ese futuro distópico. También los hay defensores de inmigrantes -algunos muy radicales- o quienes promulgan el arrepentimiento ante Dios.

Sin embargo, ese ”poco impochildren-of-menrta” de Theo, va dando un giro de 180° a partir de una misión que le acepta a su antigua amante (Julianne Moore), en la que por 5000 libras, va a ayudar a salir del país a una inmigrante negra, que lleva consigo algo valioso. Todo parece sencillo, hasta que un ataque terrorista hace cambiar los planes para lograr el cometido.

En ese trayecto por llegar a las costas, se encontrarán con hombres y mujeres que ven esa ”carga”, esperanza, y otros, un arma. La estupenda interpretación de Owen, te llevará a asustarte con él, a querer arriesgarte con él y a confiar en otros con él.

Muy conveniente sería que todos nos sentemos a ver un futuro en que aún con la historia como experiencia, los hombres no conciliamos en temas como la inmigración, y más aún, en condiciones tan aterradoras como lo serían la infertilidad y en consecuencia, la posible extinción del hombre en el planeta. Ojalá que nunca terminemos de perder esa ”capacidad de llorar” que nos ha traído la ”globalización de la indiferencia” como ha mencionado el Papa Francisco, precisamente por el drama de los refugiados. Para reflexionar y debatir.

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Una escena: el maravilloso plano secuencia de la última parte de la película. No doy detalles para evitar spoilers.

Para quiénes: para todos. Ya lo dije, para reflexionar, debatir. Ciencia ficción sólo por el tema de la infertilidad.

Dato a destacar: Hay tres planos secuencias durante la película (incluyendo mi escena favorita): una de 3 minutos y 57 segundos, otra de 3 con 9 segundos y la más larga de 6 minutos y 4 segundos. Para los que no saben, un plano secuencia es una secuencia grabada en un solo plano, osea sin interrupciones.

4.5/5

De patriotismos cuestionados: American Sniper

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La interpretación que se le da al patriotismo no es igual en todos lados. En algunas partes, por ejemplo, se demuestra el amor al país defendiéndolo a través de la guerra. En otras, solo basta con cantar el himno nacional. Los estadounidenses, hijos de una nación a la que se le acreditan proezas y barbaries, tienden a demostrar su lealtad por medio de la primera definición.

Más allá de la opinión personal respecto a la ”heroicidad” de los estadounidenses, vale laurear la labor de Clint Eastwood, patriótico a morir, que con cabeza fría muestra dos perspectivas del belicismo. Y digo que con cabeza fría porque no es una película donde sólo veremos a soldados aniquilando a enemigos, sino que el realizador se arriesga a dejar en tela de duda la efectividad del sistema de solución de conflictos que en este caso, emplean sus compatriotas.

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Hábilmente, Eastwood excusa al francotirador y lo sensibiliza ante el espectador: en un principio, cualquiera podría alterarse ante un hombre que llegó a matar a un niño y una mujer, pero luego de ir conociendo los antecedentes de Chris Kyle -un hombre sencillo que creció con el sentimiento de defender a los suyos- se le va entendiendo de poco a poco, sobretodo al ver su fragilidad humana que lo lleva a perder ese vigor inicial, por el miedo de dejar a una familia que lo espera al otro lado del mundo. Sin embargo, el director no deja de resaltar el posconflicto en la vida de algunos militares, que pueden perder la cabeza con psicóticas actitudes. De esta forma, haciendo que cualquiera cuestione qué tanto se “gana” en una guerra.

Sea el papel de Estado Unidos bueno o no, esta cinta del francotirador que le quitó la vida a 160 iraquíes (según el propio Kyle fueron 255), es sin duda una manera en que el gran Clint Eastwood le rinde homenaje a su patria. Y ¡qué bien que lo hace!

Posdata: Bradley Cooper ofrece un satisfactorio desempeño, mas no tan excepcional como para hacerse merecedor de un Óscar.

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Una escena: la del niño con la bazuca. Impactante.

Para quiénes: si te gustan los géneros bélicos y dramáticos, esta te encantará. Para los que defienden, y para los que critican a los yankis. Los primeros porque sí, y los segundos porque tendrán algo nuevo de qué hablar.

Dato a destacar: la película se convirtió en la más taquillera del género de guerra hasta la fecha.

3.5/5

La que voló más alto: Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)

birdman-movie-still-9Con una perfecta historia, un inigualable reparto y deslumbrantes detalles técnicos, Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) se convierte en la mejor más redonda película del 2014.

Primero que todo, nos encontramos ante una película con bastante lenguaje metafórico. Esto queda claro con la introducción a la primera escena en donde vemos a una llama ardiente cayendo del cielo (que por cierto, muchos no lo notan), lo que representa a ese Ícaro caído en que se centra la historia: Riggan Thompson, un viejo actor ahogado en el olvido de su única famosa interpretación: Birdman, un superhéroe más (nótese durante la película el poco aprecio del director a ese subgénero tan querido). Esa fama que alguna vez tuvo cayó en pique luego de su tercera película como el héroe con plumas y, después de muchos años, ansioso por volver a ser aceptado  amado, decidirá repuntarse a través de una pieza teatral en Broadway.

El respeto y reconocimiento por el que tanto se esforzará en recuperar el protagonista -constantemente presionado por la voz de su otra personalidad (sí, sufre de doble personalidad…y sí, es su personaje del Hombre Pájaro)- inicialmente se verá frustrado por un egocéntrico actor que al contrario de él, está en ascenso, pero que detrás del escenario comienza a parecérsele por los fracasos en su vida personal.llbo16m6hmvywz4d96sradtw9encm6y

Hasta aquí, sólo he mencionado a dos interpretaciones: Michael Keaton (Riggan) y  Edward Norton (Mike Shiner); ambos, metidísimos en su papel, sacan a luz las que parecen ser varias de las realidades del mundo actoral. Sin embargo,  el reparto no sólo brilla por ellos, sino también por otras joyas, especialmente por Emma Stone (en el papel de Sam, hija de Riggan), quien se manda un papelón y nos deja con la boca abierta luego de una larga escena en donde le canta verdades a su papá.

Hablando de escenas largas, lo que hace aún mucho más especial a esta película es el (falso) plano-secuencia con que Iñárritu trabajó. Es admirable este despliegue visual que adentra al espectador en el teatro haciendo mucho más reales los diálogos y por lo tanto, más envolvente la historia. Ello, acompañado de la fascinante fotografía (¡cómo no, si estuvo en manos del experimental Lubezki!) y la intensa musicalización, que en la mayor parte del tiempo se basa en un jazz percusionado.

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Como dije al principio, Iñárritu trabaja con mucha metáfora. Sin embargo, eso no es lo único con que el director se luce. También lo hace dándole plomo al cine de cero calidad que mide su valor en taquillas de fines de semana, y también le hace reproches a los ‘conocedores’ críticos de cine que, sin tapujos, son capaces de humillar destruyendo a su vez, talentos y esfuerzos.

Pues sí, todo esto y mucho más es lo que nos trae Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia). Una producción completa, que lastimosamente se ha visto opacada por Boyhood, película que le ha ganado en reconocimientos durante la temporada de premios del año 2014. Mas con PERCCEPTION, tienen el título a lo mejor del año.

Termino con el fragmento al inicio de la película ( Último fragmento, de Raymond Carver) que quizás también hubiera quedado perfecta al final:

-¿Y conseguiste lo que querías de esta vida?
-Lo conseguí.
-¿Y qué querías?
-Considerarme amado, sentirme amado en la tierra.

Por cierto, para mis amigos en Panamá: es una pena que la quizás mejor película del 2014 sólo la estén exhibiendo en dos cines de la capital. Sí, y así decimos ‘incentivar’ la cultura.

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Una escena: la pelea de Riggan y Mike. Sobretodo con el ”Yo también sé fingir

Para quiénes: para todo el que esté dispuesto a verse una buena película. Eso sí, no garantizo que le guste a todos.

Dato a destacar: la escena de Michael Keaton en ropa interior en medio del Times Square, fue real. Osea, no contrataron a extras. Fue él caminando en medio de todos los que pasaban por ahí esa noche.

5/5

Éxodus: Dioses y Reyes, sin emoción.

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Ciertamente no esperaba una historia apoyada totalmente en La Biblia. Sin embargo, si Ridley Scott y su guionista Steve Zaillian creían que nos emocionarían con la disque hermandad-rivalidad de Moisés y Ramsés, se equivocaron.

Un argumento totalmente flojo, que no se atreve a ahondar en ningún personaje (con tan buen reparto que tiene), ni siquiera en el del patriarca. Sí, ni siquiera en el de Moisés. O acaso alguien sintió la confusión de Moisés, su escepticismo inicial, su repentina ”conversión” o al menos la afección por su pueblo? Y no, no fue culpa de Christian Bale. Fue del argumento. Quizás en lo que el Bruno Díaz se equivocó fue en aceptar involucrarse en semejante proyecto.

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Sólo algunas escenas como las de las plagas o el cruce del Mar Rojo, son muy buenas. Pero el resto, como los años de exilio de Moisés o la aparición de Dios por medio de la zarza ardiente, decepcionan. (OJO: spoiler alert en lo que sigue del párrafo) Y más con esa figura infantil de Dios que aparece a conversar con Moisés…posiblemente una voz estruendosa hubiera sido más adecuada para representar al Dios castigador del Éxodo.

En cuanto a aspectos más técnicos, sí es reconocible la fotografía en manos de Dariusz Wolski (sobretodo en las escenas de enfrentamientos o las plagas) o los fascinantes decorados, vestuario y maquillaje. Pero recalco en que ello no es suficiente para etiquetar a la película de espectacular.

Con el merchandising seguramente le irá bien en taquilla en Panamá, mas esas dos horas y medias tan decepcionantes, no se juntará a las producciones inolvidables del director, como lo son Blade Runner, Alien, el octavo pasajero o la también de época, Gladiador.

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Una escena: la secuencia de las plagas de Egipto. Desde las aguas convertidas en sangre, al mejor estilo de la series de películas Cocodrilo hasta la impactante muerte de los primogénitos egipcios.

Para quiénes: no la defino una película bíblica. Sí tiene mucha referencia del segundo libro del Antiguo Testamento, mas no me parece una película para ver en clases de religión. En cuanto a si cualquiera la puede ver, no hay escenas tan violentas para que no la puedan ver niños.

Dato a destacar: la película fue prohibida en Marruecos por la representación de Dios (los musulmanes prohíben eso) y en Egipto por supuestas distorsiones a datos de la milenaria historia egipcia.

3/5

Nolan y su misión más emocionante: INTERESTELAR

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Casi tres horas de ciencia ficción pura y genial, con el toque de Christopher Nolan. De hecho, ese toque de él que convierte a sus películas en raras y complejas, de las que no puedes perderle el hilo para poder entenderlas.

A diferencia de Inception , su película del género más aclamada, en ésta producción se trabajó con conceptos científicamente verídicos (aunque algunos no lo crean). Y es que los hermanos Nolan (Chris y su hermano Jonathan, que usualmente le colabora en los guiones de sus proyectos) contaron con la co-producción de Kip Thorne, reconocido científico estudioso de la física gravitacional, quien participó activamente en este blockbuster en donde nos conducen a un esperanzador viaje interestelar.

grid-cell-14848-1414611885-48Un esperanzador, viaje porque se plantea que posiblemente sea la única solución para salvar a la raza humana de una inminente extinción. En una futura Tierra donde ya no se cosecha más que maíz, o en donde incluso la economía estadounidense no puede ”presupuestar” a la NASA, un grupo de exploradores encabezado por la experiencia en vuelos espaciales de Cooper (interpretado por Matthew McConaughey con una interpretación a la altura) se dirigen a encontrar posibles planetas con condiciones favorables para la humanidad. Planetas fuera de la Vía Láctea, a los que sólo se puede llegar a través de agujeros de gusano (la película lo ilustra mejor).

Cooper, recién enterado de la misión al momento de aceptarla, no sólo deja a su tierra, sino a su familia, en la que su hija menor Murphy es quien más sufre la partida. Este amor padre-hija se vuelve el eje dramático del filme, sin ello quitarle su toque fantasioso. Más que entorpecerlo con algunas de sus melanconiosas escenas, le da más veracidad. Después de todo, ¿quién no creería en el amor a millones de años luz lejos de nuestro planeta, donde la inmensidad y soledad del espacio le rodea?

INTERSTELLAREn aspectos técnicos, Interstellar nos vuelve a emocionar en el espacio sideral, como bien lo hizo Alfonso Cuarón el año pasado con Gravity, mas en esta oportunidad los agujeros de gusanos y zonas pentadimensionales son los que nos atrapan con pasmosos sonidos y tensos silencios (banda sonora a cargo de Hans Zimmer), y donde los relativos tiempo y espacio son capaces de aterrarnos, gracias a los brillantes efectos visuales.

Sí, Nolan nos trae una película rara, pero con mucha grandilocuencia, donde se demuestra que lo único que puede mover al hombre a arriesgar su vida es el amor, por más cursi que suene. O sino, no olvidemos las palabras de Amelia Brand a mitad de la película, que lo explican mejor .

Por cierto, adecuado y fascinante el poema de Dylan Thomas: Do Not Go Gentle Into That Good Night…Enfurécete, enfurécete ante la muerte de la luz

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Una escena: cuando se tuvieron que acoplar al Endurance, luego de que Mann provocara el accidente. Destaco tanto las hábiles maniobras de Cooper como las de CASE y TARS (y de ellos no sólo en esa escena, sino durante toda la misión Lázaro).

Para quiénes: para cualquiera, eso sí: si no le gusta la ciencia, esfuércese por prestar atención para entender todo.

Dato a destacar: la idea de hacer una película basada en agujeros de gusano, fue de Kip Thorne . El proyecto inicialmente iba a quedar en manos de Steven Spielberg, pero fue Jonathan Nolan quien terminó trabajando en un guión mientras su hermano terminaba la trilogía de Batman. Christopher, terminó de modificarlo y éste se ha convertido en el noveno largometraje que ha dirigido.

4.5/5